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Estatuetas Votivas Etruscas de Menerva (Atenas)

Estatuetas Votivas Etruscas de Menerva (Atenas)


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A Deusa Romana Minerva

De suas lendas únicas a como ela era adorada em todo o Império Romano, aqui está tudo o que você precisa saber sobre Minerva, deusa da sabedoria!

Quando os romanos criaram sua mitologia, eles deram as histórias e características dos deuses gregos às divindades locais. O resultado foi que os deuses romanos tinham nomes etruscos e outras línguas italianas, mas eram virtualmente idênticos ao panteão grego.

A forma como esses deuses eram vistos em Roma, entretanto, às vezes era diferente do que haviam sido na Grécia. Por causa das diferenças entre suas culturas e da associação imprecisa entre deuses italianos e gregos, algumas qualidades exclusivamente romanas emergiram.

Atena, a deusa grega da sabedoria e da guerra, recebeu o nome de Minvra, uma deusa etrusca. Como Minerva, os romanos colocaram menos ênfase em seu papel na guerra e viram a influência adicional da deusa no comércio e nas artes.

Com o crescimento do Império Romano, Minerva tornou-se ainda mais distinta de sua contraparte grega. Novas histórias, papéis cívicos expandidos e as influências das províncias mais distantes do Império criaram uma mitologia e identidade únicas para Minerva.


Art Blart

Exposição: & # 8216Power and Pathos: Bronze Sculpture of the Hellenistic World & # 8217 no J. Paul Getty Museum, Getty Center, Los Angeles

Datas de exibição: 28 de julho e # 8211, 1º de novembro de 2015

Com curadoria de Jens Daehner e Kenneth Lapatin, ambos do J. Paul Getty Museum

O fascínio continua. Todos esses séculos depois.

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Muito obrigado ao Museu J. Paul Getty por me permitir publicar a obra de arte na postagem. Clique nas fotos para uma versão ampliada da imagem.

& # 8220A beleza é a única coisa que o tempo não pode prejudicar. As filosofias caem como areia, os credos se sucedem, mas o que é belo é uma alegria para todas as estações, uma posse para toda a eternidade. & # 8221

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Oscar Wilde

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& # 8220 Nossa ambição deve ser governar a nós mesmos, o verdadeiro reino para cada um de nós e o verdadeiro progresso é saber mais, ser mais e fazer mais. & # 8221

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Oscar Wilde

Durante o período helenístico & # 8211 desde a morte de Alexandre o Grande em 323 a.C. até o estabelecimento do Império Romano em 31 a.C. & # 8211 o bronze levou à inovação artística na Grécia e em outros lugares do Mediterrâneo. Os escultores foram além das normas clássicas, complementando temas tradicionais e formas idealizadas com representações realistas de estados físicos e emocionais. O bronze & # 8211 superando o mármore com sua resistência à tração, efeitos reflexivos e capacidade de segurar os detalhes mais finos & # 8211 foi empregado para composições dinâmicas, exibições deslumbrantes do corpo nu e expressões gráficas de idade e caráter.

Fundidas a partir de ligas de cobre, estanho, chumbo e outros elementos, as estátuas de bronze foram produzidas aos milhares em todo o mundo helenístico. Eles estavam concentrados em espaços públicos e ambientes externos: retratos honoríficos de governantes e cidadãos povoados de praças da cidade, e imagens de deuses, heróis e santuários lotados de mortais. Poucos, porém, sobrevivem, e os que sobrevivem estão espalhados pelo mundo e costumam ser exibidos como obras-primas isoladas. Esta exposição reúne um número significativo de bronzes de grande escala preservados hoje para que possam ser vistos no contexto. Novas descobertas são apresentadas junto com obras conhecidas há séculos, e várias estátuas intimamente relacionadas são mostradas lado a lado pela primeira vez.

Texto do site do J. Paul Getty Museum

Pathos

Pathos é um dos três modos de persuasão na retórica (junto com ethos e logos).
Pathos apela às emoções do público.
É uma parte das filosofias da retórica de Aristóteles.

Não deve ser confundido com & # 8216bathos & # 8217,
que é uma tentativa de atuar de forma séria,
moda dramática que falha
e acaba virando comédia.

Os eventos patéticos em uma trama também não devem ser confundidos com eventos trágicos.
Em uma tragédia, o personagem provoca sua própria morte, enquanto
aqueles que invocam pathos costumam ocorrer com personagens inocentes, invocando
luto imerecido.

O apelo emocional pode ser realizado de várias maneiras:
por uma metáfora ou narração de histórias, comum como um gancho,
por uma paixão geral na entrega e um número geral
de itens emocionais no texto do discurso, ou por escrito.

Pathos é um apelo ao julgamento ético do público.
Pode ser na forma de metáfora, símile, uma entrega apaixonada,
ou mesmo uma simples alegação de que um assunto é injusto.
Pathos pode ser particularmente poderoso se bem usado, mas a maioria dos discursos
não confie apenas no pathos. Pathos é mais eficaz quando o autor
conecta-se com um valor subjacente do leitor.

Vistas da instalação da exposição Poder e Pathos no J. Paul Getty Museum, Los Angeles

& # 8220Durante a era helenística, os artistas do Mediterrâneo criaram esculturas inovadoras e realistas de força física e intensidade emocional. Bronze & # 8211 com sua superfície reflexiva, resistência à tração e capacidade de segurar os detalhes mais finos & # 8211 foi empregado para composições dinâmicas, expressões gráficas de idade e caráter e exibições deslumbrantes da forma humana. Em exibição no J. Paul Getty Museum de 28 de julho a 1 de novembro de 2015, Poder e Pathos: Escultura em Bronze do Mundo Helenístico é a primeira grande exposição internacional a reunir mais de 50 bronzes antigos da região mediterrânea e não só, desde o século 4 a.C. ao primeiro século d.C.

& # 8220A representação da figura humana é central para a arte de quase todas as culturas antigas, mas em nenhum lugar ela teve maior importância ou mais influência na história da arte posterior do que na Grécia & # 8221 disse Timothy Potts, diretor do J Museu Paul Getty. & # 8220 Foi no período helenístico que os escultores levaram ao limite os efeitos dramáticos de cortinas ondulantes, cabelos desgrenhados e as representações incrivelmente detalhadas de veias, rugas, tendões e musculatura, tornando a escultura de sua época o mais real e emocionalmente carregado de todos os tempos, e ainda um dos pontos altos da história da arte europeia. Na melhor das hipóteses, a escultura helenística não deixa nada a desejar ou aprimorado. As mais de 50 obras em exposição representam o que há de melhor entre essas obras espetaculares e extremamente raras que sobreviveram, e fazem desta uma das mais importantes exposições de escultura clássica já montada. Este é um evento imperdível para qualquer pessoa interessada em arte clássica ou escultura. & # 8221

Esculturas de bronze em grande escala estão entre os mais raros sobreviventes da antiguidade; seu valioso metal era normalmente derretido e reutilizado. Fileiras de pedestais vazios ainda vistas em muitos locais antigos são um testemunho claro da onipresença de estátuas de bronze na era helenística. Ironicamente, muitos bronzes conhecidos hoje ainda existem porque foram perdidos no mar, apenas para serem recuperados séculos depois. Poder e Pathos: Escultura em Bronze do Mundo Helenístico é especialmente notável por reunir obras de arte raras que geralmente são exibidas isoladamente. Quando vistos próximos uns dos outros, a variedade de estilos e técnicas empregadas por escultores antigos é enfatizada com maior efeito, assim como as funções e histórias variadas das esculturas de bronze. O bronze, fundido em moldes, era um material adequado para reprodução, e a exposição oferece uma oportunidade sem precedentes de ver pela primeira vez objetos do mesmo tipo, e até mesmo da mesma oficina. Por exemplo, dois herms de Dionysos & # 8211 o Mahdia Herm do Museu Nacional do Bardo, Tunísia e o Getty Herm foram feitos na mesma oficina e não são mostrados juntos desde a antiguidade.

& # 8220O Mahdia Herm foi encontrado na costa da Tunísia em 1907 junto com a carga de um antigo navio que transportava muitas obras de arte da Grécia & # 8221 disse Jens Daehner, um dos curadores da exposição. & # 8220É o único caso sobrevivente de um antigo bronze assinado por um artista (Boëthos de Kalchedon). A ideia de que o Getty Herm vem da mesma oficina é baseada na combinação próxima do bronze & # 8211 uma liga de cobre, estanho, chumbo e outros oligoelementos que & # 8217s como o DNA de esculturas de bronze. As informações que essas duas obras geram quando estudadas juntas são extraordinárias. É um exemplo perfeito de como é revelador e instrutivo contemplar os bronzes helenísticos em harmonia uns com os outros. & # 8221

A exposição está organizada em seis seções: Imagens de Governantes, Corpos Ideais e Extremos, Imagens dos Deuses, A Arte da Replicação, Semelhança e Expressão e Estilos Retrospectivos.

& # 8220O nosso objetivo ao reunir este grupo extraordinário dos bronzes antigos mais significativos que sobreviveram é apresentar essas obras, normalmente vistas como obras-primas isoladas, em seus contextos mais amplos & # 8221 disse Kenneth Lapatin, co-curador da mostra & # 8217s . & # 8220Estas esculturas impressionantes se reúnem para contar uma história rica, não apenas de realizações artísticas, mas também das preocupações políticas e culturais das pessoas que as encomendaram, criaram e viram há mais de dois mil anos. & # 8221

Entre as muitas obras famosas está a chamada Cabeça de um Homem de Delos, do Museu Nacional de Atenas, um retrato convincente e expressivo com olhos embutidos bem preservados. Acredita-se que a imagem dramática de um assistente desconhecido data do final do segundo ou início do primeiro século aC. O icônico Terme Boxer, emprestado do Museu Nacional Romano, com suas cicatrizes e hematomas realistas, destaca-se como o epítome da compreensão moderna da arte helenística, empregando detalhes minuciosos e um assunto enfático e cativante. O lutador cansado, desanimado e exausto após sua competição brutal, combina o poder e o pathos que são exclusivos da escultura helenística.

Embora raramente sobrevivam hoje, várias versões da mesma obra eram a norma na antiguidade. Um bom exemplo é a figura de um atleta segurando um strigil, uma lâmina curva usada para raspar óleo e sujeira da pele, conhecida em grego como apoxyomenos ou & # 8220scraper & # 8221. Esta exposição reúne três moldes de bronze & # 8211 duas estátuas completas e uma cabeça & # 8211 que são versões helenísticas tardias ou primeiras versões do Império Romano de uma estátua criada em 300 aC por um escultor importante da época. Esta foi evidentemente uma das obras mais famosas de seu tempo e as cópias foram feitas até o período imperial romano. & # 8221

Comunicado de imprensa do site do J. Paul Getty Museum

Encontrando Bronzes Antigos

Retrato de Aule Meteli & # 8220O Arringatore & # 8221
125-100 a.C.
grego
Bronze e cobre
H: 170 x L: 68,6 x P: 101,6 cm (5 ft 6 15/16 x 27 x 40 pol.)
Imagem cortesia de Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana & # 8211 Museo Archeologico Nazionale, Firenze
Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)

Descoberta em meados de 1500 em Sanguineto, no coração etrusco que agora é a fronteira entre a Toscana e a Umbria, esta estátua entrou para a coleção Médici em Florença pouco depois. Identificada como Aule Meteli em uma inscrição etrusca na borda inferior da vestimenta, a figura levanta uma mão em um gesto que parece pedir silêncio no início de um discurso & # 8211 daí o nome italiano moderno Arringatore (Orador). Ele usa uma túnica listrada sob uma toga, sandálias de renda e um anel na mão esquerda. O realismo de seus traços faciais é uma marca do grego helenístico que também é vista em retratos contemporâneos itálicos e romanos republicanos. A estátua foi montada a partir de nove peças fundidas separadamente. O braço direito estendido demonstra a capacidade do bronze & # 8211 mais forte e mais leve do que o mármore & # 8211 de renderizar poses dinâmicas sem suporte.

A inscrição retrógrada no alfabeto etrusco diz: & # 8220auleśi meteliś ve [luś] vesial clenśi / cen flereś tece sanśl tenine / tu θineś χisvlicś & # 8221 (& # 8220To (ou de) Auli Meteli, filho de Vel e Vesi, Tenine (?) Montou esta estátua como uma oferenda votiva a Sans, por deliberação do povo & # 8221)

Herm de Dioniso
200-100 a.C.
Bronze, cobre e pedra
H 103,5 cm W 23,5 cm D 19,5 cm
Atribuído à Oficina de Boëthos de Kalchedon (grego, ativo por volta de 200-100 a.C.)
Museu J. Paul Getty

Este herm é quase idêntico em tipo e tamanho ao seu & # 8220twin & # 8221 de Mahdia, que é assinado pelo artista Boëthos de Kalchedon. Ambos foram fabricados com o mesmo método: fundição oca pelo processo de cera perdida. Um pouco melhor preservado, este exemplo mantém um de seus olhos de pedra originais, envolto em cílios de cobre. Seu modelo de cera, entretanto, foi preparado com menos habilidade do que a versão assinada. Existem atalhos no laço das fitas, e a ausência de folhas de uva no cocar é particularmente notável. A análise do metal estabeleceu que ambas as obras foram fundidas com uma liga notavelmente semelhante que as distingue de outras esculturas de bronze. Assim, apesar das diferenças em detalhes e execução, eles provavelmente foram produzidos ao mesmo tempo, na mesma oficina e usando o mesmo lote de metal.

Sobrevivência

Estátuas de bronze em grande escala raramente sobreviveram da antiguidade, pois a maioria foi derretida para que seu valioso metal pudesse ser reutilizado. Fileiras de pedestais de pedra vazios ainda podem ser vistas em locais antigos, deixando apenas uma impressão da onipresença da escultura de bronze no mundo helenístico. Ironicamente, muitos bronzes conhecidos hoje foram preservados porque foram enterrados ou perdidos no mar, apenas para serem recuperados séculos depois por arqueólogos, mergulhadores e pescadores.

Geografia Cultural

A arte helenística foi um fenômeno generalizado, impulsionado pela vasta expansão do mundo grego sob Alexandre o Grande no final do século IV a.C. O impacto da cultura grega pode ser rastreado não apenas em todo o Mediterrâneo, da Itália ao Egito, mas também em regiões além, como a Trácia nos Bálcãs, Cólquida (na atual República da Geórgia) e o sul da Península Arábica. Os bronzeadores gregos itinerantes satisfaziam encomendas longe de sua terra natal, enquanto os artesãos locais empregavam técnicas indígenas para criar estátuas nos estilos gregos da moda. Por meio do comércio, migração, pilhagem e emulação, a escultura de bronze serviu como um veículo para a transferência de cultura e tecnologia.

Reprodução

Únicos como a maioria dos bronzes antigos parecem hoje, muitos nunca foram concebidos como & # 8220 originais & # 8221 no sentido moderno da palavra. O processo de fundir estátuas em moldes não só facilitou a produção de múltiplos, mas também permitiu a reprodução fiel de obras mais antigas dos períodos Arcaico e Clássico dos séculos VI e V a.C. Cópias de bronze, bem como adaptações e recombinações em uma variedade de estilos, foram feitas durante o período do Império Romano.

Fórmulas de poder: imagens de governantes

As conquistas de Alexandre, o Grande (governou 336-323 a.C.) transformaram a política e a cultura antigas, criando novos reinos e diminuindo a autonomia de cidades-estado individuais. A morte prematura de Alexandre deixou seu domínio nas mãos de seus generais, os Diadochoi (sucessores). Eles procuraram imitar seu estilo carismático de liderança e adotaram os modelos visuais usados ​​para retratá-lo como um jovem governante dinâmico e invencível. Muitas dessas imagens foram criadas por Lysippos de Sikyon, o escultor favorito de Alexandre e o artista mais famoso da época. Lysippos parece ter trabalhado exclusivamente em bronze, adaptando fórmulas clássicas anteriores para atletas, heróis e deuses e transformando-as em representações vigorosas de reis poderosos.

O retrato governante emergiu como um gênero distinto na era helenística, e o bronze foi seu meio principal. Os Diadochoi, como Alexandre, foram mostrados em vários modos & # 8211 nus, em armadura e a cavalo. Embora eles normalmente encomendassem seus próprios retratos, estátuas deles também foram erguidas como honras públicas por cidades sem poder que buscavam ou reconheciam favores. Hoje, a condição fragmentária da maioria das esculturas sobreviventes torna difícil a identificação dos indivíduos.

Alexandre o Grande a Cavalo
100-1 a.C.
grego
Bronze e prata
H: 51 x L: 29 x P: 51 cm (20 1/16 x 11 7/16 x 20 1/16 pol.)
Su concessione Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo & # 8211 Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli
Foto: Giorgio Albano

Alexandre, o Grande, é reconhecido pelo diadema real em seu cabelo ondulado característico. O rei macedônio usa um chlamys curto (manto), uma couraça e sandálias militares amarradas. Certa vez, ele brandiu uma espada em sua mão direita, enquanto sua mão esquerda agarrou as rédeas de seu cavalo empinado, provavelmente seu Boukephalos favorito (cabeça de touro). Encontrada em 1761 em Herculano, na Itália, a estatueta é considerada uma réplica em pequena escala da peça central de um grupo monumental de Lysippos. O agora perdido original foi instalado no Santuário de Zeus em Dion, no norte da Grécia, para comemorar a vitória de Alexandre sobre os persas no rio Granikos em 334 a.C. foi transferido para Roma em 146 a.C.

Cabeça de cavalo & # 8220O cavalo Medici Riccardi & # 8221
Cerca de 350 a.C.
italiano
Bronze e ouro
H: 81,3 x L: 97 x P: 35 cm (32 x 38 3/16 x 13 3/4 pol.)
Museu Arqueológico Nacional de Florença (Superintendência do Patrimônio Arqueológico da Toscana)
Imagem cortesia de Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana & # 8211 Museo Archeologico Nazionale, Firenze

Uma vez parte de uma estátua equestre, esta cabeça de cavalo bem preservada exibe características anatômicas altamente realistas. Embora os olhos inseridos estejam faltando, as narinas dilatadas, as dobras do pescoço e a boca aberta um pouco esticada servem para enfatizar a postura dinâmica. Restam vestígios da douração original e do freio agora perdido. O meio de bronze permitiu o detalhamento fino da escultura, cuja musculatura vigorosa e veias pulsantes estão entre as formas expressivas desenvolvidas por artistas helenísticos.

Retrato de Seuthes III
cerca de 310-300 a.C.
grego
Bronze, cobre, calcita, alabastro e vidro
Objeto: A: 32 x L: 28 x P: 27,9 cm (12 5/8 x 11 x 11 pol.)
Imagem cortesia do Instituto Nacional de Arqueologia com Museu, BAS
Foto: Krasimir Georgiev

O poder e a intensidade do olhar desse homem são realçados pelo uso de vários tipos de materiais para seus olhos. Com cabelo comprido e barba cheia, acredita-se que o retrato retrate Seuthes III, que governou o reino Odrysian da Trácia (na atual Bulgária) por volta de 331 a.C. a 300 a.C. Encontrada em 2004 no túmulo monumental de Seuthes em Šipka, a cabeça pode ter sido parte de uma estátua de corpo inteiro que ficava originalmente em Seuthopolis, uma cidade que ele fundou nas proximidades.

Retrato de homem
100-1 a.C.
Bronze
H 29,5 cm W 21,5 cm D 21,5 cm
Museu J. Paul Getty

Provavelmente uma vez parte de uma estátua de corpo inteiro, esta cabeça tem cabelos rudemente modelados que lembram retratos de Alexandre, o Grande. Os olhos fundos foram originalmente embutidos em outro material, e os lábios & # 8211 com bordas delineadas em bronze & # 8211 podem ter sido revestidos com cobre para obter um efeito policromático mais realista. Duas hastes curtas de bronze dentro da boca poderiam ter sido usadas para facilitar a fundição, ou talvez para prender os dentes do interior.

Retrato de homem
300-200 a.C.
Grego, encontrado no mar Egeu perto de Kalynmos
Bronze, cobre, vidro e pedra
Objeto (maior extensão): A: 32 x L: 27,9 x Diâm .: 98 cm (12 5/8 x 11 x 38 9/16 pol.)
Imagem cortesia do Ministério Helênico da Cultura, Educação e Assuntos Religiosos
O Museu Arqueológico de Kalymnos
Imagem © Ministério Helênico da Cultura e do Esporte / Fundo para Receitas Arqueológicas

o kausia, um chapéu de aba que se originou na Macedônia (norte da Grécia), sugere que esta figura é um general ou rei macedônio. A banda sob sua kausia pode ser um diadema real. Seus olhos preservados são compostos de diferentes materiais, incluindo pasta de vidro para os brancos, um anel de metal delineando cada íris e pedra escura para as pupilas. A cabeça foi encontrada em 1997 no Mar Egeu, na ilha grega de Kalymnos. Componentes de esculturas de bronze representando cavaleiros encouraçados foram recuperados nas proximidades.

Retrato de um Governante (Demetrios Poliorketes?)
310-290 a.C.
Bronze
H 45 cm W 35 cm D 39 cm
Museu Nacional do Prado, Madrid
Imagem © 2015 Arquivo Fotográfico. Museu Nacional do Prado, Madrid / Scala, Firenze

O cabelo espesso e encaracolado desse jovem homem lembra o estilo popularizado por Alexandre, o Grande, enquanto os traços individualizados são uma reminiscência de retratos de seus sucessores no final do século IV a.C. A cabeça pertencia originalmente a uma figura de corpo inteiro que teria cerca de 3,5 metros de altura. Embora não tenha um diadema que signifique realeza, o retrato colossal pode representar o governante macedônio Demetrios Poliorketes, que foi proclamado rei pela primeira vez aos trinta anos em 307 a.C., junto com seu pai, o general de Alexandre & # 8217, Antigonos I Monoftalmos.

Governante na forma de Hermes ou Perseu
100 A.C.-A.D. 100
Bronze e cobre
H 71,2 cm (76,5 cm com base) W 30 cm
Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli

As características faciais distintas sugerem que esta figura é um governante helenístico, e a tira sob seu queixo indica que ele originalmente usava um petasos, um chapéu de viajante de aba larga & # 8217s. Este boné, bem como as asas presas a seus tornozelos, são atributos do deus Hermes e do herói Perseu. Os reis helenísticos costumavam ser mostrados sob a forma de divindades ou heróis mitológicos, e os estudiosos propuseram várias identidades para o indivíduo representado aqui. A estatueta foi descoberta em 1901 em uma casa em Pompéia.

Carne e bronze: corpos ideais e extremos

Os escultores helenísticos exploraram os protótipos clássicos e continuaram a criar figuras idealizadas, mas com um novo interesse por detalhes e movimentos realistas. Lysistratos, o irmão de Lysippos, foi creditado por moldar moldes diretamente de corpos vivos, e muitos bronzes helenísticos exibem considerável sutileza anatômica. Efeitos naturais foram alcançados através do uso de ligas e incrustações para transmitir as cores contrastantes de olhos, mamilos, lábios, dentes, hematomas e até mesmo sangue.

Expandindo o repertório de imagens, os artistas helenísticos representaram diversos tipos de corpos em uma variedade de estados & # 8211, jovens e velhos, energizados e exaustos, extáticos e adormecidos. Olhando para trás, para seus predecessores, os escultores adotaram a postura contrapposto que se tornou a norma no período clássico, mas também experimentaram poses extremas que tiraram maior proveito da resistência à tração do bronze. As figuras foram mostradas movendo-se mais plenamente em três dimensões, com membros enfaticamente avançados, cabeças e corpos girados dinamicamente. Mesmo as figuras em repouso ocupavam mais espaço, incentivando os espectadores a contorná-las. Esta experiência do observador e da estátua compartilhando um espaço comum aumentou a compreensão de imagens complexas e aumentou a empatia com os assuntos retratados.

Eros adormecido
300-100 a.C.
grego
Bronze (com uma base de mármore moderna)
H: 41,9 x D: 35,6 x W: 85,2 cm (16 1/2 x 14 x 33 9/16 pol.)
The Metropolitan Museum of Art, Rogers Fund, 1943 (43.11.4)
Imagem © The Metropolitan Museum of Art / Scala, Firenze

Alegadamente encontrada na ilha grega de Rodes, esta estátua de Eros como uma criança adormecida diverge das imagens clássicas da divindade como um adolescente gracioso. Para o escultor helenístico, o Eros reclinado, pendurado frouxamente sobre uma rocha, fornecia um tema perfeito para a exploração artística do corpo de uma criança em repouso. A estátua pode até ser uma inversão lúdica da caracterização grega anterior do deus do amor como & # 8220liblar o membro. & # 8221 Imagens helenísticas de Eros como um bebê alado inspiraram muitas representações de Cupido na arte romana e, muito mais tarde, os querubins e putti da Renascença.

Artesão
Cerca de 50 a.C.
Bronze e prata
H 40,3 cm W 13 cm D 10,8 cm
Museu Metropolitano de Arte, Rogers Fund, 1972
Imagem © The Metropolitan Museum of Art / Scala, Firenze

Os artistas helenísticos representavam temas anteriormente não considerados dignos de representação, como idosos, corpos disfuncionais e figuras da periferia da sociedade. Este velho atarracado e careca usa um exomis (túnica curta) que o identifica como um artesão. Preso em seu cinto está um pequeno caderno que sugere que ele pode não ser um diarista comum. Entre as identidades que os estudiosos propuseram para ele estão o deus Hefesto, o mítico engenheiro-artesão Daidalos e o famoso século V a.C. escultor Pheidias. A estatueta teria sido encontrada no sítio de Cherchel, na Argélia.

Torso Masculino
300-200 a.C.
Bronze
H 152 cm W 52 cm D 68 cm
O Ministério Helênico da Cultura, Educação e Assuntos Religiosos. O Eforato de Antiguidades Subaquáticas, Atenas

Em 2004, esse torso foi acidentalmente preso por pescadores a uma profundidade de quinhentos metros, perto da ilha grega de Kythnos, no Mar Egeu. A ausência de atributos deixa a identidade da figura em aberto: ele pode ser um atleta, um herói ou até mesmo um deus. A posição de sua mão esquerda sugere que ele segurava um objeto plano, talvez um disco ou uma bainha. O artista representou de forma realista os detalhes anatômicos do corpo, bem como a textura e as rugas da pele.

Hermes
Cerca de 150 a.C.
Bronze
H 49 cm W 20 cm D 15 cm
Os curadores do Museu Britânico
Imagem © The Trustees of the British Museum

Atleta vitorioso, & # 8220O Getty Bronze & # 8221
300-100 a.C.
grego
Bronze e cobre
H: 151,5 x L: 70 x P: 27,9 cm (59 5/8 x 27 9/16 x 11 pol.)
Museu J. Paul Getty

Atleta vitorioso, & # 8220O Getty Bronze & # 8221 (detalhe)
300-100 a.C.
grego
Bronze e cobre
H: 151,5 x L: 70 x P: 27,9 cm (59 5/8 x 27 9/16 x 11 pol.)
Museu J. Paul Getty

Pescadores italianos recuperaram este bronze das profundezas do Mar Adriático no início dos anos 1960. Em homenagem a um atleta de sucesso, a figura está na pose convencional de um vencedor: ele está prestes a remover sua coroa da vitória e dedicá-la aos deuses em agradecimento. A representação do corpo nu, com seus volumes arredondados e formas suavemente inchadas, é uma descrição sutil da pós-adolescência masculina. O rosto é menos idealizado, parecendo transmitir as características distintas de um indivíduo real.

Herakles Epitrapezios
100 A.C.-A.D. 79
Bronze e calcário
H 75 cm (95 cm com base) W da base 67 cm D da base 54 cm
Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli
Su concessione del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali del Turismo & # 8211 Soprintendenza para Beni Archeologici di Napoli & # 8211 Foto Giorgio Albano

Escavado em 1902 em uma vila suburbana nos arredores de Pompéia, esta figura de Hércules sentado em uma rocha é uma das dezenas desse tipo que sobreviveram. Eles variam em escala de miniatura a colossal, e a composição foi associada a Lysippos com base em descrições antigas. Tanto Martial quanto Statius, escritores romanos do final do século I d.C., recontam participando de um jantar oferecido pelo colecionador Novius Vindex, que lhes mostrou uma estatueta de Herakles Epitrapezios (Na / Sobre a Mesa) criada por Lysippos. Martial descreve a & # 8220 pequena estátua de bronze de um grande deus & # 8221 e Statius contrasta ainda mais seu pequeno tamanho com a enormidade do objeto representado: & # 8220 Quão grande foi a experiência daquele artista erudito nos detalhes de sua arte, dotando ele com a engenhosidade para fazer um enfeite de mesa, mas ao mesmo tempo para conceber um colosso. & # 8221

Boxer sentado, & # 8220 The Terme Boxer & # 8221
300-200 a.C.
Grego, de Herculano
Bronze e cobre
Objeto (com base): A: 140 x L: 64 x P: 115 cm (55 1/8 x 25 3/16 x 45 1/4 pol.)
Museo Nazionale Romano & # 8211 Palazzo Massimo alle Terme Su concessione del Ministero dei beni e delle attività culturali and del turismo & # 8211 Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l’area archeologica di Roma
Foto © Vanni Archive / Art Resource, NY

Boxer sentado, & # 8220 The Terme Boxer & # 8221 (detalhe)
300-200 a.C.
Grego, de Herculano
Bronze e cobre
Objeto (com base): A: 140 x L: 64 x P: 115 cm (55 1/8 x 25 3/16 x 45 1/4 pol.)
Museo Nazionale Romano & # 8211 Palazzo Massimo alle Terme Su concessione del Ministero dei beni e delle attività culturali and del turismo & # 8211 Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l’area archeologica di Roma
Foto © Vanni Archive / Art Resource, NY

O realismo brutal deste boxeador & # 8211 um homem que recebeu muitos golpes violentos e está pronto para lidar com eles pessoalmente & # 8211 foi projetado para despertar empatia no espectador. As incrustações de cobre alinham os cortes da pele e representam o sangue a pingar. A maçã do rosto direita inchada foi fundida em uma liga diferente (contendo menos estanho), imitando a descoloração de um hematoma. Enquanto o rosto expressa exaustão física e mental após uma luta, o corpo do boxeador é tonificado e forte, mostrando poucos sinais de idade, e seu cabelo e barba estão bem penteados. Escavada em 1885 no lado sul do Monte Quirinal, em Roma, esta estátua foi encontrada cuidadosamente depositada nas fundações de um edifício antigo. Originalmente, a figura teria sido erguida em um santuário grego ou exibida publicamente na cidade natal do atleta que comemorava.

Um Novo Realismo: Imagens dos Deuses

Estátuas de divindades, um gênero importante na arte grega arcaica e clássica, permaneceram significativas no período helenístico, especialmente quando novos santuários foram estabelecidos em novas cidades. As capacidades expressivas do bronze e os estilos dinâmicos da escultura helenística foram adaptados às representações de seres divinos. Na verdade, parece que se esperava que os deuses fossem retratados da maneira mais atualizada e, portanto, suas imagens, como as dos mortais, às vezes se tornavam menos ideais e mais & # 8220realistas & # 8221 ou & # 8220humanas. & # 8221 Atenas, por exemplo, foi retratada como uma jovem donzela e também como um guerreiro formidável. Eros, um elegante adolescente na arte clássica, foi mostrado como um bebê rechonchudo. As divindades eram agora pensadas e representadas mais como seres vivos & # 8211 em contato com a experiência humana e com a mudança dos estados físicos e emocionais.

Atenas & # 8220O Minerva de Arezzo & # 8221
300-270 a.C.
Bronze e cobre
H 155 cm W 50 cm D 50 cm
Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)

Usando uma égide protetora com uma cabeça de Górgona & # 8217, a deusa da guerra e da sabedoria provavelmente segurava uma lança em sua mão direita. Uma coruja decora seu capacete, a maior parte da serpente em cima é uma restauração moderna. Os lábios de Athena são banhados a cobre e seus olhos foram originalmente embutidos para obter uma aparência mais real. Esta estátua é uma variante de um tipo popular inventado no século IV a.C., mas as características técnicas & # 8211 a composição da liga, processo de fundição e método de montagem & # 8211 sugerem uma data no início do século III a.C. Descoberta em fragmentos nas ruínas de uma antiga casa romana em Arezzo, Itália, em 1541, a escultura foi adquirida pelos Medici e levada para Florença. Os preenchimentos de resina epóxi cinza foram adicionados em um tratamento de conservação recente.

Chefe da Apollo
50 B.C.-A.D. 50
Bronze
H 51 cm W40 cm D 38 cm
H of the face 23 cm
Province of Salerno – Museums Sector
Image courtesy of Archivio Fotografico del Settore Musei e Biblioteche della Provincia di Salerno – Foto Gaetano Guida

Found in 1930 by Italian fishermen dragging their nets in the Gulf of Salerno, this monumental head of the god Apollo probably belonged to a statue installed in an ancient building or precinct along the coastal bluffs. While the idealized face shares much with Classical antecedents, the extreme turn of the neck and the exuberant locks of hair (many of which were individually cast and attached) are more typical of Hellenistic sculpture.

Head of a God or Poet
100-1 B.C.
Bronze
H 29 cm
The Museum of Fine Arts, Houston. Museum purchase funded by Isabel B. and Wallace S. Wilson, 2001

Cast in several pieces, this head is marked by its strong individualism, yet the identity of the figure remains uncertain. The fillet in the hair suggests a god but is also a common attribute of poets such as Homer. While the furrowed brow, sunken cheeks, and bags under the eyes characterize an older man, the luxuriant beard and full mouth, with lips parted as if to speak, convey power. Pronounced asymmetries indicate that the head was turned energetically to its left and – with the neck stretched forward – may have belonged to a seated figure. Paternal deities such as Poseidon or Asklepios were commonly depicted in a seated position, a format likewise employed for portraits of intellectuals.

Apoxyomenos and the Art of Replication

Although rarely surviving today, multiple bronze versions of the same work were the norm in antiquity. Statues honoring victorious athletes, for example, were likely commissioned in a first edition of two: one to be dedicated in the sanctuary where the competition was held, and the other for display in the winner’s proud hometown.

The figure of an athlete holding a strigil (a curved blade used to scrape oil and dirt off the skin) is often referred to as an apoxyomenos (scraper). The three bronze replicas in this room – two full statues and one head – are not first editions but late Hellenistic or early Roman Imperial copies of a statue created in the 300s B.C., probably by a prominent sculptor. The original must have been so famous that it was still reproduced centuries later. An additional ten replicas in marble and dark stone further attest to its reputation. The exact relationship of the bronze copies to the original and to one another remains to be investigated by comparing their technique, metallurgy, and craftsmanship.

Athlete, “The Ephesian Apoxyomenos”
A.D. 1-90
grego
Bronze and copper
H: 205.4 x W: 78.7 x D: 77.5 cm (80 7/8 x 31 x 30 1/2 in.)
Kunsthistorisches Museum Wien, Antikensammlung
Image © KHM-Museumsverband. Collection of Greek and Roman Antiquities / Ephesos Museum

Athlete, “The Ephesian Apoxyomenos” (detail)
A.D. 1-90
grego
Bronze and copper
H: 205.4 x W: 78.7 x D: 77.5 cm (80 7/8 x 31 x 30 1/2 in.)
Kunsthistorisches Museum Wien, Antikensammlung
Image © KHM-Museumsverband. Collection of Greek and Roman Antiquities / Ephesos Museum

During Austrian excavations at Ephesos (in present-day Turkey) in 1896, this bronze sculpture was found broken into 234 fragments. Previously thought to be an athlete scraping his skin with a strigil – a literal apoxyomenos – the figure is better understood as cleaning the strigil by running the fingers of his left hand over the blade. The statue is widely accepted as an early Roman Imperial replica of a famed Greek work created in the late fourth century B.C., which has been variously attributed to the school of Polykleitos, to Daidalos, or to Lysippos. The circular plinth is modern but of a type used for mounting bronze sculptures in Roman times.

Athlete “The Croatian Apoxyomenos”
100-1 B.C.
grego
Bronze and copper
H 192 cm W 50 cm D 40 cm
Head H 29 cm
Bronze plinth H 7.8 cm
Republic of Croatia, Ministry of Culture

Athlete “The Croatian Apoxyomenos” (detail)
100-1 B.C.
grego
Bronze and copper
H 192 cm W 50 cm D 40 cm
Head H 29 cm
Bronze plinth H 7.8 cm
Republic of Croatia, Ministry of Culture

Head of an Athlete Ephesian Apoxyomenos type
200-1 B.C.
grego
Bronze and copper
H 29.2 cm W 21 cm D 27.3 cm
The Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas
Image courtesy of Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas/Scala, Firenze

This head of an apoxyomenos has been known since the 1700s, when it was part of a private collection in Venice. The rendering of the hair – with rows of finely delineated strands swept from the forehead in different directions – creates the realistically disheveled look of an athlete still sweating after a competition. A distinctive technique was used to attach the head to the now-missing body: the join runs beneath the chin and jaw and follows the hairline behind the ears to the base of the skull. Like the head of the Croatian Apoxyomenos, this head rested on the neck by means of an interior bronze ledge, which was practically invisible from the front.

When Pathos Became Form: Likeness and Expression

Realistic features and emotional states are hallmarks of Hellenistic sculpture. Whether depicting fresh youth or withered age, stoic calm or attention to cares, individualized portraits superseded the largely idealized types of earlier periods through details such as soft, rolling flesh, furrowed brows, and crow’s-feet. Personal traits were even given to fictive portraits of historical figures such as Homer and other significant literati of the past.

Pathos – lived experience – came to be represented physically, and naturalistic, expressive forms soon became formulas. Hellenistic conventions of balancing pathos with the ideal were borrowed by sculptors working in Italy for both Etruscan and Roman Republican patrons, spreading Greek styles to the West just as Alexander and his successors had in the East. Realism was also applied to images of foreigners and figures on the margins of society – new subjects that further broadened the sculptural genres of the period.

Portrait of a Man
about 100 B.C.
Greek, from Delos
Bronze, copper, glass, and stone
H: 32.5 x W: 22 x D: 22 cm (12 13/16 x 8 11/16 x 8 11/16 in.)
Image courtesy of the Hellenic Ministry of Culture, Education and Religious Affairs. The National Archaeological Museum, Athens
Photo: Marie Mauzy/Art Resource, NY

Portrait of a Man (detail)
about 100 B.C.
Greek, from Delos
Bronze, copper, glass, and stone
H: 32.5 x W: 22 x D: 22 cm (12 13/16 x 8 11/16 x 8 11/16 in.)
Image courtesy of the Hellenic Ministry of Culture, Education and Religious Affairs. The National Archaeological Museum, Athens
Photo: Marie Mauzy/Art Resource, NY

Highly individualized, this beardless male head epitomizes the intense realism employed by Greek artists in the late Hellenistic period. The portrait was once part of a full-length statue, and its dynamic turn to the left would have further enhanced the pathos of the expression. Both inserted eyes are preserved, giving a vivid impression of the original appearance of portraits that have lost them. Found in 1912 at the Granite Palaistra on the Greek island of Delos, the head likely belonged to an honorific statue of a citizen displayed in or near the palaistra, a training ground for athletes.

Portrait of a Poet, “The Arundel Head”
200-1 B.C.
grego
Bronze and copper
H: 41 x W: 21 x D: 26 cm (16 1/8 x 8 1/4 x 10 1/4 in.)
Image courtesy of and © The Trustees of the British Museum

Portrait of a Poet, “The Arundel Head” (detail)
200-1 B.C.
grego
Bronze and copper
H: 41 x W: 21 x D: 26 cm (16 1/8 x 8 1/4 x 10 1/4 in.)
Image courtesy of and © The Trustees of the British Museum

Discovered in the 1620s at Smyrna (present-day Izmir, in western Turkey), this portrait originally had inset eyes, and the open mouth may have contained silvered teeth. Its copper lips are still preserved. The graphic realism of the wrinkled face, the interest in characterizing old age, and the heightened emotional expression embody Hellenistic style, yet the locks of hair are neatly arranged in a Classical fashion. The full beard, long hair, and round fillet on the head are attributes of Greek poets, playwrights, and other intellectuals.

Portrait of a North African Man, from Cyrene (in present day Libya),
300-150 B.C.
grego
Bronze, copper, enamel, and bone
H: 27 x W: 20 x D: 24 cm (10 5/8 x 7 7/8 x 9 7/16 in.)
Image courtesy of and © The Trustees of the British Museum

Excavated in 1861 near the Temple of Apollo at Cyrene (in present-day Libya) along with fragments of a gilt-bronze horse, this head represents an indigenous Libyan or Berber. High cheekbones, crow’s-feet at the eyes, and a short beard contribute to the image’s realism. The full lips, inset with copper, are slightly parted to reveal bone teeth, and the inlaid eyes, outlined with copper lashes, preserve traces of white enamel. The portrait’s distinctive features demonstrate the widespread popularity of Greek-style works as well as Hellenistic artists’ interest in depicting different ethnic characteristics.

Portrait of a Man
About 150 B.C.
Marble
H 40.7 cm W 25 cm D 31.7 cm
Museu J. Paul Getty

Drapery at the back of the neck suggests that this over-life-size head belonged to a full-length figure wearing a cloak – possibly a hero, a king, or a benefactor. Although carved in marble, the portrait displays traits associated with bronze sculpture: sharply outlined lips, rendered as if inset in copper, and finely incised eyebrows, mustache, and beard. The fleshy neck and highly modeled forehead and cheeks are also features of Hellenistic bronzes, and similarly derive from prototypes worked in softer materials such as clay or wax.

Head of a Votive Statue
375-350 B.C.
Bronze
H 24.3 cm W 15.5 cm D 15.5 cm
The Trustees of the British Museum
Image © The Trustees of the British Museum

The idealized features of this head and the arrangement of the hair reflect pre-Hellenistic traditions of Greek sculpture. The short bangs and the large, compass-drawn pupils, however, are distinctly Etruscan, as is the beard stubble, which seems to have been employed in central Italian portraiture to express strength and wisdom. Reportedly found on an island in Lake Bolsena, Italy, in 1771, this sculpture may have been produced by a workshop in nearby Volsinii (present-day Orvieto). According to ancient sources, Roman soldiers plundered two thousand bronzes when they sacked that city in 265 B.C.

Portrait of a Man
About 300 B.C.
Bronze, copper, and glass
H 26.8 cm W 21.8 cm D 23.5 cm
Bibliothèque nationale de France

Found near San Giovanni Lipioni in central Italy, this portrait has been linked with Rome’s conquest of the region of Samnium, but whether it depicts a Roman general or a local leader remains uncertain. The crown of the head, now lost, was separately cast. Glass-paste eyes are set between copper lashes, and the lips too are copper. As on the Head of a Votive Statue, a faint beard is indicated. The cubic shape of the head, the flat facial planes, and the distinctive forward comb of the hair situate this sculpture within an Etrusco-Italic artistic tradition.

Portrait of a Boy
100-50 B.C.
Bronze and copper
H 140 cm W 57.2 cm D 45.1 cm
H of the head 23 cm
H of the base 4.5 cm
The Hellenic Ministry of Culture, Education and Religious Affairs. The Archaeological Museum of Herakleion
Image © Archaeological Museum of Heraklion, Ministry of Culture & Sports, Archaeological Receipts Fund

Wearing a long cloak that envelops both arms and hands, this figure was discovered in 1958 along the beach of Hierapetra, on the Greek island of Crete. Its original context and function remain uncertain, and the subject’s identity is unknown. Distinguished by the individualized, almost petulant face and elaborate sandals, the portrait may have been intended to honor a local youth of high status.

Portrait of a Boy
25 B.C.-A.D. 25
Bronze
H 132.4 cm W 50.8 cm D 41.9 cm
The Metropolitan Museum of Art, Rogers Fund, 1914
Image © The Metropolitan Museum of Art/Scala, Firenze

Said to be from Rhodes, a Greek island noted for its skilled bronzeworkers, this graceful figure was assembled from at least seven separately cast parts: two arms, two legs, the torso and head, and two sections of drapery. Apparently intended to be seen from below, the statue may have been erected on a tall base and set into a niche. The comma-shaped curls over the forehead echo portraits of the Roman imperial family, but the garment is Greek. The boy may have been a young member of the local aristocracy.

Portrait of a Man
100-1 B.C.
Bronze
H 43 cm W 26 cm D 25 cm
Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli
Su concessione del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo – Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli – Foto Giorgio Albano

This portrait of an anonymous older man is distinguished by its meticulous characterization of the hair, eyebrows, and beard. These features were worked into the wax model before casting, using different techniques and tools including a pointed modeling knife, a multipronged instrument, and a penlike device. The asymmetry of the face and neck muscles suggests that the head was originally turned further to its right. The current orientation is the creation of a Renaissance restorer, who transformed the ancient fragment into a bust.

Editions of the Past / Retrospective Styles

Retrospection, or the borrowing of earlier forms and styles, appears to have begun as early as the fifth century B.C. It continued into Hellenistic and early Roman Imperial times, when sculptors regularly employed and adapted Archaic and Classical features, sometimes eclectically, to recall the art of previous periods. Throughout the second century B.C., conquering Roman generals took original Greek art back to Rome, where it was paraded in triumphal processions, dedicated in temples, erected in civic spaces, and displayed in elite homes. To satisfy an eager market, Greek artists flocked to Rome and produced new works emulating older ones, often taking advantage of bronze as an ideal medium for replication and serial production. Statues in Archaic style were created not only to appeal to the interests of antiquarian collectors but also to evoke the religious piety of a bygone age. The Classical style came to be favored by the emperor Augustus for much of his official art, as it conjured the golden age of Athens.

Herm Bust of the Doryphoros
50-1 B.C.
Bronze
H 58 cm W 66 cm D 27 cm
Inscribed in Greek: “Apollonios, son of Archias, of Athens, made [this]”
Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli
Su concessione del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo – Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli – Foto Luigi Spina

The Doryphoros was a famous full-length statue of a heroic spear bearer created by the fifth-century B.C. Greek sculptor Polykleitos. This herm bust, which excerpts just the head and chest of that figure, is considered one of the most accurate surviving replicas, capturing the finely incised hair and idealized facial features of the now-lost original its eyes are eighteenth-century restorations. The bust was found amid an extensive collection of sculpture that decorated the Villa dei Papiri at Herculaneum. The artist Apollonios of Athens added his signature in Greek along the front, advertising his skill and guaranteeing the authenticity of his work for his Roman patron.

Bust of a Youth “The Beneventum Head”
About 50 B.C.
H 33 cm W 23 cm D 20 cm
Bronze and copper
Musée du Louvre, Département des antiquités grecques, étrusques et romaines, Paris
Image © RMN – Réunion des Musées Nationaux – Foto Daniel Arnaudet/Gérard Blot

The wreath of wild olive suggests that this figure is a victorious athlete, and the form of the bust indicates that it was set atop the pillar of a herm. The precise arrangement and striations of the hair are reminiscent of works by the fifth-century B.C. sculptor Polykleitos, but the melancholy expression and the delicate appearance of the face are characteristic of first-century B.C. Roman creations made in Classical Greek style. Found in Herculaneum, this bust was given by King Ferdinand II to the Pedicini family of Beneventum and subsequently sold to the emperor Napoleon III in the 1800s.

Apollo “The Piombino Apollo”
About 120-100 B.C.
Bronze, copper, and silver
H 117 cm
Musée du Louvre, Département des antiquités grecques, étrusques et romaines, Paris
Image © RMN-Réunion des Musées Nationaux – Foto Stéphane Maréchalle

With its stiff posture and left foot placed forward, this figure of a nude male youth looks like an Archaic Greek kouros. Yet the smooth musculature, relatively slender limbs, and treatment of the hands and feet appear more naturalistic than original Archaic kouroi, which functioned as religious dedications and grave markers in the sixth century B.C. A pseudo-Archaic votive inscription to Athena on the left foot, now only partially legible, indicates that this statue too was intended as an offering in a sanctuary. Another inscription on a lead tablet found inside the bronze links it to the Greek island of Rhodes. The statue was eventually transported to Italy and lost when the ship carrying it foundered in port at Piombino, where the figure was discovered in 1832.

Torso of a Youth “The Vani Torso”
200-100 B.C.
Bronze
H 105 cm W 45 cm D 25 cm
Georgian National Museum, Vani Archaeological Museum-Reserve
Photo: Rob Harrell, Freer Gallery of Art and Arthur M. Sackler Gallery, Smithsonian Institution

Boy Removing a Thorn from His Foot “The Spinario”
About 50 B.C.
Bronze and copper
H 73 cm
Musei Capitolini, Rome, 1186
Image courtesy of Archivio Fotografico dei Musei Capitolini, Palazzo dei Conservatori, Sala dei Trionfi – foto Zeno Colantoni

The lithe body and naturalistic pose of this boy contrast with the highly stylized face and hair, and the fall of the hair does not correspond to gravity given the inclination of the head. Other versions of the sculpture (no. 54) confirm that this bronze combines a Hellenistic body with an early-fifth-century B.C. head type originally intended for another figure. Such eclecticism is characteristic of late Hellenistic and early Roman Imperial sculpture. This statue seems never to have been buried underground and has been famous in Rome since medieval times, inspiring artists for centuries.

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Boy with Thorn, também chamado Fedele (Fedelino) ou Spinario, is a Greco-Roman Hellenistic bronze sculpture of a boy withdrawing a thorn from the sole of his foot, now in the Palazzo dei Conservatori, Rome. A Roman marble of this subject from the Medici collections is in a corridor of the Uffizi Gallery, Florence.

The sculpture was one of the very few Roman bronzes that was never lost to sight. It was standing outside the Lateran Palace when the Navarrese rabbi Benjamin of Tudela saw it in the 1160s and identified it as Absalom, who “was without blemish from the sole of his foot to the crown of his head.” It was noted in the late twelfth or early thirteenth century by the English visitor, Magister Gregorius, who noted in his De mirabilibus urbis Romae that it was ridiculously thought to be Priapus. It must have been one of the sculptures transferred to the Palazzo dei Conservatori by Pope Sixtus IV in the 1470s, though it is not recorded there until 1499-1500. It was celebrated in the Early Renaissance, one of the first Roman sculptures to be copied: there are bronze reductions by Severo da Ravenna and Jacopo Buonaccolsi, called “L’Antico” for his refined classicizing figures: he made a copy for Isabella d’Este about 1501 and followed it with an untraced pendant that perhaps reversed the pose. For a fountain of 1500 in Messina, Antonello Gagini made a full-size variant, probably the bronze that is now in the Metropolitan Museum of Art, New York. (Text from the Wikipedia website)

Museu J. Paul Getty
1200 Getty Center Drive
Los Angeles, California 90049

Opening hours:
Tues – Friday 10 am – 5.30 pm
Saturday 10 am – 9 pm
Sunday 10 am – 9 pm
Monday closed


Minerva

Ovid called her the "goddess of a thousand works." Minerva was worshipped throughout Italy, though only in Rome did she take on a warlike character. Her worship was also taken out to the empire - in Britain, for example, she was conflated with the wisdom goddess Sulis.

The Romans celebrated her festival from March 19 to March 23 during the day which is called, in the feminine plural, Quinquatria, the fifth after the Ides of March, the nineteenth, the artisans' holiday. A lesser version, the Minusculae Quinquatria, was held on the Ides of June, June 13, by the flute-players, who were particularly useful to religion. In 207 BC, a guild of poets and actors was formed to meet and make votive offerings at the temple of Minerva on the Aventine hill. Among others, its members included Livius Andronicus. The Aventine sanctuary of Minerva continued to be an important center of the arts for much of the middle Roman Republic.

Minerva was also worshipped on the Capitoline Hill as one of the Capitoline Triad along with Jupiter and Juno, at the Temple of Minerva Medica, and at the "Delubrum Minervae" a temple founded around 50 BC by Pompey on the site of the church of Santa Maria sopra Minerva (near the present-day Piazza della Minerva and the Pantheon).
FROM: Wikipedia "Minerva"


Table of Contents

Introdução. 1

Part 1 Minerva in Pre-Flavian Italy. 10

1.1 Iconography and Types. 11

1.3 Minerva in the Cultural Narrative. 39

Roman Authors: Transition from Etruria. 45

1.4 Sanctuaries, Votives, and Rituals. 70

Etruscan Votive Deposits. 81

Urban Etruscan Sanctuaries. 83

Unlocated or Ambiguous Sites. 89

Temple of Jupiter Optimus Maximus, Capitoline Hill. 95

Aedes Minerva, Aventine Hill. 100

Minerva Capta, Caelian Hill. 106

Minerva Medica, Regio V. 101

Miscellaneous Shrines and Temples. 111

1.6 Becoming the Roman Minerva. 114

Part 2 Domitian’s Minerva. 117

2.5 From Promachos to Polias. 186

Conclusion Minerva: From the Etruscans to Domitian…………………………………. 188

A.1 Over-Lifesized Marble Head in Budapest. 190

A.2 The Forum Transitorium. 199

Catalog. 212

Bibliografia. 255


Is Minerva the same as Athena?

Originally, Minerva was an Italian goddess of handicrafts closely associated to the Greek goddess Athena. The scholarly consensus, however, is that Minerva was indigenous, passing to the Romans from the Etruscan goddess Menrva, and that her name derives from meminisse, meaning 'to remember'.

Beside above, what is Athena's other name? Athena or Athene, often given the epithet Pallas, is an ancient Greek goddess associated with wisdom, handicraft, and warfare who was later syncretized with the Roman goddess Minerva.

Hereof, what is Minerva the goddess of?

Minerva é o goddess of wisdom, medicine, the arts, poetry, and handicrafts. Later in Roman history, she became the goddess of war as well. So, she was pretty important to the Romans. Now, in many ways Minerva mirrors the Greek Athena, one of the more prominent deities.

Who were Minerva siblings?

Minerva was the daughter of Jupiter and Juno. Apollo era the son of Jupiter and Latona. His twin sister was Diana. Diana era the daughter of Jupiter and Latona.


Minerva’s Guidance Blended with Other Gods

Moreover, in certain areas of the Roman Empire, Minerva blended with local deities to become a hybrid goddess. One of these, for instance, was Sulis-Minerva, a combination of Minerva and the Sulis, a local wisdom goddess worshipped by the people of Britannia. Additionally, there were also temples dedicated to Minerva alone. One of these, for example, is the Temple of Minerva Chalcidica or Minervium which was built by Pompey. Later on, the site was Christianized and a church, Santa Maria sopra Minerva (Saint Mary above Minerva) was built above the alleged ruins of the temple. Excavations in modern times, however, have shown that the Minervium was in fact close to but not directly under this church.

Santa Maria sopra Minerva in Rome. (Peter1936F / CC BY-SA 4.0 )


7. Votive value. Two bronze miniature axes. Wellmade axe. More rudimentary axe.

Votive Bronze Miniature Axe

Description and comment: In France miniature axes such as these, are often found in burials or areas which may have religious significance, signifying a common religious Iron Age or Romano Celtic practice in that country and here in Britain on the Fen Edge.

The axe as an embodiment of military power and agricultural competence is a common symbol in prehistory. In a burial it may signify the most useful tool – defence and domestic efficiency – that a human can take into the afterlife. On a religious site, it will probably invest the giver with domestic and farming handyness plus defence, fighting skills. They may also be simply carried about to convey day to day useful powers to the bearer.

Dimensions and details:

Well-made bronze axe

Found: Godmanchester vicinity.

Date: 50 BC to 4th century AD.

Comprimento: 33mm.

More rudimentary bronze axe

Found: Central Godmanchester. Cambridge Street.

Date: 50 BC to 4th century AD.

Comprimento: 30 mm.


Apollo of Veii

Name Apollo di Veio Typology Statua acroteriale Date 510-500 BCE Location Room 40 Production place Veii Provenance Veii Findspot Sanctuary of Portonaccio Materials polychrome terracotta Technique hand molded Dimensions in cm H 186 Width 78 Inventory Number 40702-40703 Bibliography

G. Q. Giglioli, &ldquoVeio. Scavi nell&rsquoarea della città e della necropoli: statue fittili di età arcaica&rdquo, in Notizie degli Scavi di Antichità 1919, vol. XVI, pp. 13-37, in part. figg. 2 e 3 alle pp. 13 e 14, pp. 16 e 18, tavv. I-IV.

M. Pallottino, &ldquoLa scuola di Vulca&rdquo, in M. Pallottino, Saggi di antichità, I-III, Roma 1979, pp. 1008-1009, tavv. XXVIII-XXIX, XXX, 1-2.

G. Colonna, &ldquoIl maestro dell&rsquoErcole e della Minerva. Nuova luce sull&rsquoattività dell&rsquoofficina veiente&rdquo, in Opuscula Romana 16, 1987, a pp. 23 nota 43, 26 nota 54, figg. 57-58.

F. Boitani - M. Diana - T. Sante Guido, &ldquoIl restauro dell&rsquoApollo di Veio&rdquo, in Kermes aprile-giugno 2004, pp. 41-60 (sul restauro).

G. Colonna, &ldquoL&rsquoofficina veiente: Vulca e gli altri maestri di statuaria arcaica in terracotta&rdquo, in M. Torelli - A.M. Moretti Sgubini (a cura di), Etruschi. Le antiche metropoli del Lazio (Roma, Palazzo delle Esposizioni 21 ottobre 2008 - 6 gennaio 2009), Verona 2008, in part. pp. 59-62.

C. Carlucci, &ldquoVeio. La coroplastica: Veio, Portonaccio. 2. Apollo&rdquo, in M. Torelli - A.M. Moretti Sgubini (a cura di), Etruschi. Le antiche metropoli del Lazio (Roma, Palazzo delle Esposizioni 21 ottobre 2008 - 6 gennaio 2009), Verona 2008, p. 201 (con bibliografia precedente).

--> Acquisition date 19 May 1916

Found in fragments in 1916, the polychrome terracotta sculpture represents the god Apollo, dressed in chiton and cloak, as he walks barefoot with his left arm outstretched forward and the other lowered, perhaps to carry the arch.
Together with other statues, this was also intended to decorate the top of the roof of the temple of Portonaccio in Veii, dedicated to the Etruscan goddess Menerva (Athena) and dated to the end of the 6th century BCE.
Apollo's threatening attitude is, therefore, to be related to the statue of Heracles displayed in the room in front of him and belonging to the same context: the god is ready to fight with the hero, who has just captured the deer with golden horns, sacred to his sister Artemis.
The statues of Portonaccio have been attributed to the "Master of Apollo", who belonged to the last generation of clay sculptors (coroplasts) of the workshop of Vulca, author of the famous statue of Jupiter in the Capitoline Temple (580 BCEca) commissioned by the first Etruscan king, Tarquinius Priscus for the same temple, perhaps, at the end of the 6th century, King Tarquinius the Superb asked the "Master of Apollo" for two carts as an ornament for the roof.

G. Q. Giglioli, &ldquoVeio. Scavi nell&rsquoarea della città e della necropoli: statue fittili di età arcaica&rdquo, in Notizie degli Scavi di Antichità 1919, vol. XVI, pp. 13-37, in part. figg. 2 e 3 alle pp. 13 e 14, pp. 16 e 18, tavv. I-IV.

M. Pallottino, &ldquoLa scuola di Vulca&rdquo, in M. Pallottino, Saggi di antichità, I-III, Roma 1979, pp. 1008-1009, tavv. XXVIII-XXIX, XXX, 1-2.

G. Colonna, &ldquoIl maestro dell&rsquoErcole e della Minerva. Nuova luce sull&rsquoattività dell&rsquoofficina veiente&rdquo, in Opuscula Romana 16, 1987, a pp. 23 nota 43, 26 nota 54, figg. 57-58.

F. Boitani - M. Diana - T. Sante Guido, &ldquoIl restauro dell&rsquoApollo di Veio&rdquo, in Kermes aprile-giugno 2004, pp. 41-60 (sul restauro).


Why do Romans hate Athena?

Click to read in-depth answer. Subsequently, one may also ask, what is Athena afraid of?

In the end of Book VI of the Odyssey, Odysseus sends up a pray to Athena, the Greek goddess of Wisdom and Warfare. It then says Athena does not openly acknowledge him. The reason being that she feared Poseidon's wrath.

Additionally, why was Minerva important to the Romans? Minerva is the goddess of wisdom, medicine, the arts, poetry, and handicrafts. Later in Roman history, she became the goddess of war as well. So, she was pretty important to the Romans. Combining aspects of both Menvra and Athena, Minerva grew to be one of the most respected goddesses in the Roman religion.

Besides, why is Athena's Roman name Minerva?

Minerva é o Roman goddess of wisdom. She was also the goddess of trade, the arts, and strategy in war. Minerva was highly influenced by the Greek goddess Athena. Quando o Romans made contact with the Greeks, they saw their gods as being similar to those of the Greeks.

It is presumed that her Roman name, Minerva, is based on this Etruscan mythology. Minerva was the goddess of wisdom, war, art, schools, and commerce. She was the Etruscan counterpart to Greek Athena.


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Comentários:

  1. Reid

    kulno

  2. Brand

    Não, oposto.

  3. Kazrazil

    Você atingiu a marca. Nele algo também é ideia boa, concordo com você.

  4. Aldn'd

    A mensagem útil



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